Esta pesquisa compreende estudos sobre o potencial dramatúrgico e performativo da voz no
ato de cantar, considerando a relação dos cantores com seus modos expressivos. A partir de
estudos teórico-práticos sobre os conceitos de Ação Vocal e de Contato, investigou-se
sobre dispositivos que podem permitir que estes artistas conquistem - por eles mesmos -
qualidade expressiva orgânica, singular e relacional. Devido ao contexto de isolamento
sanitário, instaurado pela pandemia da Covid-19, a autoetnografia revelou-se um percurso
possível - um plano B - para a continuidade deste trabalho. Um “diário de bordo” com
episódios da trajetória profissional e estudantil da autora e a análise de um debate online com
professores de voz/canto da Universidade Federal de São João del Rei compõem parte da
metodologia desta pesquisa. Ela investiga de que modo - e se - a Ação Vocal e o Contato
alargam a percepção do cantante, transmutam a matéria-prima pessoal em criação artística e
potencializam a relação com o outro para comungar a experiência cantada. Esta pesquisa
propõe pensarmos um modo de trabalho interdisciplinar para cantores em formação
que, espera-se, poderá contribuir para a reflexão sobre a sistematização do ensino do
canto popular no Brasil.

A presente dissertação trata-se de um estudo sobre a compreensão da função e do ofício do trabalhador cenotécnico da cidade de São Paulo. A investigação e análise do ofício do cenotécnico se dá partindo de uma compreensão histórica baseando-se, inicialmente, nas regulamentações legais nas esferas federal, estadual e municipal. O primeiro documento a ser considerado, o decreto nº 5.942 do ano de 1928, é resultado do projeto de lei apresentado pelo deputado federal Nicanor Nascimento em 1925. O texto em questão imputa às empresas a obrigatoriedade de seguir o código comercial trabalhista na contratação de artistas e auxiliares teatrais. A análise dessa e de demais leis pertinentes se faz necessária, pois é por meio das nomenclaturas usadas para definir os ofícios técnicos que a carreira se estabelece no âmbito jurídico e, de modo amplo, no histórico-social. A categoria do cenotécnico foi regulamentada e é compreendida hoje por meio da lei nº 6.533 de 1978, sendo descrita no quadro anexo do decreto nº 82.835 do mesmo ano. Além das bases legais, a pesquisa analisa materiais bibliográficos que apresentam definições do papel ou do ofício do cenotécnico e que acompanham o período das implementações das leis. O trabalho também apresenta como documento, entrevistas realizadas com cenotécnicos, em busca de uma compreensão atual do seu ofício, possibilitando uma reflexão dialética entre a prática testemunhada pelo trabalhador e as definições teóricas analisadas. Para atingir esse objetivo, convidamos a participarem desta pesquisa profissionais que atuam na área, cujo início de suas carreiras se deu na década de 1970 - momento este marcado pela regulamentação da categoria, com o advento da lei nº 6.533 de 1978. Considerando a importância da autodefinição desses profissionais sobre o trabalho desempenhado, para a compreensão do que é a função e o ofício da cenotécnica, a realização dessas entrevistas, diante do recorte, estabelece um diálogo através do compartilhamento da experiência individual de cada profissional entrevistado e da memória do ofício da cenotécnica.

Esta dissertação busca analisar o trabalho da Mariana Gabriel, como Palhaça Birota. Ela atua como produtora cinematográfica e palhaça, e se apresenta durante as exibições do documentário: Minha avó era Palhaço. O documentário conta a história de sua avó Maria Eliza Alves, que atuou como palhaço Xamego no Circo-teatro Guarany, no início da década de 20. A partir desse primeiro sentido, discorremos sobre sua família tradicional circense, de sua ancestralidade, imbuída na cultura brasileira. Busco traçar análises e conexões sobre seu trabalho e o campo da historiografia de palhaços e palhaças. Considerando o pensamento paradoxal da impossibilidade da descrição fidedigna do trabalho de Mariana, de suas atuações, mas sendo possível pensá-las a partir do reconhecimento da inacessibilidade dessa totalidade, observando-os como algo não estático e fixo da história. Desdobrando no sentido empírico, assim, o arquivo aqui não está sendo considerado como conjunto de documentos reunidos, não como mera coincidência, em sua materialidade.  As pesquisas estão atravessadas por questões filosóficas, entre biopoder e biopolítica, passando pelas noções de poder, dos sistemas hegemônicos, que afetam os campos da escrita da história das mulheres, das lutas feministas e sobre o debate de mulheres palhaças.

O objetivo desse trabalho de dissertação é analisar o texto dramatúrgico “A mãe” de Bertolt Brecht, tendo como referência a concepção de mudança de função desenvolvida pelo próprio autor. Nesse sentido, a pesquisa se desenvolve em torno dos textos teóricos de Brecht, e de intelectuais comprometidos com a análise e a interpretação da obra Brechtiana para compreendermos não só a concepção de mudança de função e sua relação com a obra investiga, mas também compreender as influências e os pressupostos que permitiram a construção e o desenvolvimento da peça em questão e do teatro Brechtiano como um todo. Dessa forma, intentamos compreender a investigação da categoria mudança de função, levando em consideração os aspectos históricos que permitiram o surgimento e o desenvolvimento de tal ideia, para a partir desse entendimento construirmos uma análise da obra “A mãe” que se disponha a compreender a sua localização na trajetória artística de Brecht e suas potencialidades para a luta revolucionária no campo da cultura ainda hoje.

Esta dissertação propõe a investigação das propostas pedagógicas relacionadas às Artes Cênicas no Brasil, a partir das produções bibliográficas de Ingrid Koudela e Flávio Desgranges, buscando demonstrar suas relações com uma formação, que visa o desenvolvimento social e cognitivo. Para isso, fez-se uma revisão bibliográfica das propostas dos autores supracitados, buscando identificar essas relações através da análise de conteúdo por categorização. Pautadas principalmente no fazer teatral de Bertolt Brecht, apontamos nossos pressupostos relacionados ao potencial educativo do dramaturgo alemão mencionado, bem como suas influências nas propostas pedagógicas de Ingrid Koudela e Flávio Desgranges. 

O presente trabalho tem por objetivo analisar as possibilidades de criação de narrativas a partir dos elementos que formam a cosmovisão das religiosidades de origem centro-africana no Brasil em dois experimentos cênicos desenvolvidos no espaço acadêmico de pesquisa. O trabalho parte da análise e investigação acerca dos elementos que formam a cosmovisão dessas religiosidades estabelecendo um diálogo entre minhas vivências nos espaços dos terreiros e a construção da cena no Teatro. Nesse percurso, o trabalho perpassa pelos aspectos históricos da formação dessas religiosidades no Brasil, criando um quadro comparativo entre as perspectivas que formaram a cosmovisão dos povos centro-africanos do outro lado do atlântico e as práticas religiosas em território brasileiro, buscando compreender como foram articulados as ressignificações e os modos de criação de narrativas presentes nos cânticos, nos processos rituais, performáticos e estéticos dessas religiosidades. Do resultado dessa investigação primeira, emerge como elemento fundamental da construção dessas cosmovisões, a perspectivas da encruzilhada, abarcando as concepções de ancestralidade e do encantamento. É a partir da compreensão dos modos pelos quais essas concepções são articuladas na construção de narrativas nos espaços do terreiro, que se estabelece a proposta de potencialização de narrativas na construção dos experimentos cênicos Kandenge – O cantador de uma história brasileirae Confere, ambos realizados no âmbito da pesquisa e experimentação laboratorial acadêmica.

Vestido de Noiva de Nelson Rodrigues foi apresentada pela primeira vez pelo grupo de teatro amador Os Comediantes na cidade do Rio de Janeiro no Teatro Municipal, com Direção e iluminação de Zbigniew Ziembinski em 1943. Depois do sucesso pela crítica especializada e pelo público, o espetáculo passou a ser um objeto de estudos corriqueiros dentro do campo acadêmico.

O objetivo dessa pesquisa é analisar o que foi apresentado enquanto iluminação da montagem de Vestido de Noiva em 1944 em São Paulo, para entender o que foi a luz do espetáculo, a partir das críticas, depoimentos e do pensamento sobre a cena e luz de Ziembinski.

Durante dez anos, de 2006 a 2016, o Teatro da Caravana Siga Bem apresentou nos postos de combustível das estradas brasileiras, para um público de caminhoneiros, seus familiares e pessoas que viviam próximas a esses locais, espetáculos com temáticas ligadas à cidadania como uso racional da água, enfrentamento à violência contra a mulher, exploração sexual de crianças e adolescentes e direitos humanos, entre outros. As peças identificadas com a estética do teatro popular contavam com um elenco formado também por caminhoneiros e caminhoneiras, além de produtores e produtoras do evento comercial Caravana Siga Bem, no qual o teatro estava inserido como atração cultural e de lazer. Considerando o caráter pedagógico desses espetáculos, que buscavam debater questões cidadãs, esta dissertação buscou afinidades entre este projeto de teatro popular feito para e com caminhoneiros e as ideias para uma educação dialógica e capaz de desenvolver a criticidade do sujeito, defendidas pelo educador Paulo Freire. Nas reflexões que moveram as buscas dessa afinidade com a pedagogia do patrono da educação brasileira, esta pesquisa encontrou ainda afinidades com o Teatro Épico de Bertolt Brecht e, em certa medida, com os experimentos das peças didáticas do dramaturgo alemão

Com base na análise do livro Rua de Mão Única (1995) e de sua influência no processo de transposição da literatura benjaminiana para a experimentação teatral que versa sobre as memórias, é possível indicar caminhos em que as reminiscências se sobressaem durante esse percurso. Dessa maneira, salientamos as poéticas do livro Rua de Mão Única (1995), do autor berlinense Walter Benjamin, e suas influências para o fazer teatral, que neste caso específico, culminou em Haveres da infância; Um poeta colecionador. Após a realização de práticas teatrais para a construção do processo cênico, os caminhos pertinentes à transposição da literatura benjaminiana para o palco revelaram a figura do Poeta, uma figura que comporta em si, reflexões acerca da dramaturgia que parte de narrativas autobiográficas. Há uma discussão constituinte da figura do Poeta entre elementos da contação de histórias que nos remetem à figura do Narrador (1994, p. 197-221), descrita belamente pelo filósofo Walter Benjamin e, por conseguinte, à figura do historiador e da história, como nos coloca Paul Ricouer em A memória, a história, o esquecimento (2007). Há também o desnudamento da influência de Asja Lacis na escrita e no pensamento de Walter Benjamin sobre o teatro infantil. As interfaces que movem/ou moveram o Poeta em costuras dramatúrgicas que se interpenetram nos elementos da narratividade e principalmente na transposição da literatura benjaminiana para o teatro configuraram-se na hermenêutica da condição histórica. É nesse ponto que o presente trabalho procura na representação do passado realizar constante diálogo com a imposição que o esquecimento nos proporciona. Cabe ressaltar que ele, o próprio esquecimento, coloca-se como guardião fiel da memória. Dessa maneira, a relação entre os sobressaltos que as reminiscências revelam através das imagens indicam-nos as características estético-filosóficas em que a figura do Poeta dispõe-se a debruçar, quando em cena, brinca com as memórias de Walter Benjamin e coleta a extensão do campo de lembranças que constituem o corpo da atriz quando esta se depara com seu próprio universo infantil.

Esta dissertação discorre sobre o corpo em diversas relações existentes nas artes cênicas, apontando
ferramentas e possibilidades para se preparar para a cena, e indicações de como construir um corpo
cênico, partindo do pensamento de Lenora Lobo, de maneira a lidar com questões intermitentes que
ocorrem durante o processo de montagem e construção cênica, advindas da situação do corpo
atuante. Dentre alguns exemplos, é analisado o trabalho das atrizes da Companhia Teatrando, no
espetáculo 'O Casulo das Memórias Resignadas', do dramaturgo juiz-forano Rafael Coutinho. O foco
das observações discorridas são as estratégias utilizadas por alguns interpretes/atuantes para estarem
em cena, criando meios de se confrontarem com os critérios hegemônicos, já existentes, de avaliação
do trabalho artístico, e do desempenho na atuação. Destacando, processos pertinentes na vida destes
interpretes/atuantes que de certa forma vivenciaram bloqueios e limitações em suas trajetórias
artísticas.
Estes processos permitem a criação de certos agenciamentos em relação a seus propósitos
existenciais, e/ou provocam estratégias de treinamento e autoformação singulares para construir a
cena de maneiras pertinentes e potentes destes atuantes. A pesquisa relaciona-se não somente a
questões que permeiam vivencias pessoais, afetivas e profissionais, mas também recorre a estudos
sobre os fatores do que pode ser o corpo, como pode ser o corpo cênico, tecendo reflexões sobre
maneiras pertinentes na atualidade de se pensar as relações entre corpo, teatro, limitações corporais,
abordando o corpo como sujeito, objeto e suporte da arte, não considerando somente a estética
corporal como resultado, mas o corpo como potência. Para tal, as relações para este trabalho têm
como fonte o conceito de potência do filósofo Gilles Deleuze, perpassando por treinamentos de
teatrólogos do século XX.

Delineada pelas reflexões do filósofo Gaston Bachelard, esta pesquisa analisa poeticamente a obra dramatúrgica da diretora alemã de dança-teatro Pina Bausch, utilizando os conceitos de imaginário elementar terra e imaginário elementar água como fio condutor. Com o intuito de identificar as características do imaginário elementar de Bachelard nas obras de Pina Bausch, a análise se pautou pelas características dramatúrgicas da composição coreográfica e cenográficas de seus espetáculos, o que possibilitou refletir, tanto sob o ponto de vista do bailarino/ator quanto do espectador, a respeito da criação de cenas imersivas e sensórias por meio dos elementares terra e água dentro de algumas obras de Bausch.

A dissertaçãotem como objetivo abordaro espetáculo teatral Um Dia Ouvi a Lua, escrito por Luís Alberto de Abreu para Companhia Teatro da Cidade (São José dos Campos –SP)e dirigido por Eduardo Moreira. Esse espetáculo tratasobre o universo caipira do Vale do Paraíba. Ademais,traz várias representações da noção pessoal de cada ator sobre o que é opopular do Vale. Ofoco dadissertação foipoder compreender quais são essas representações e de qual forma elas foramcolocadas em cena. Noespetáculo Um Dia Ouvi a Lua,os artistas utilizam músicas, lendas e sua própria cultura para a representação do “ser popular” para a criação das personagens. É dessa memória do popular em maneiras de rememoração que o espetáculo teatral se utilizou, pois passa por vários momentos entrea cultura regional e a reapropriada pelos artistas,de maneira que foramrecriadasem cena. A cena aborda acultura regionalde maneira quepossa ser apresentada em vários lugares,e possa ser reinterpretada pelos seus espectadores de maneira pessoal paracada um deles. O objetivo desta pesquisa foi ode identificar o que o espetáculo teatral Um Dia Ouvi a Lua, da Companhia Teatro da Cidade, tem da cultura popular e da memória da cidade de São José dos Campos e o Vale do Paraíba Paulista em sua representação. Sendo assim,o foco específico desta dissertação foianalisar o produto final o espetáculo. Para isso, foramconsiderados o texto escrito por Luís Alberto de Abreu, a encenação criada por Eduardo Moreira e os relatos dos atores da CIA Teatro da Cidade sobre o processo de montagem e a vivência do espetáculo, bem como acervo memorial e pessoal enquanto espectadora do espetáculo,e entrevistassobre o espetáculo. Comobase teórica principal,apoiar-nos-emos nosautores Nestor Garcia Canclini(2008), Maria de Lourdes Rabetti (BetiRabetti)(2000), José Jorge de Carvalho(2000),Jaqueline Baumgratz(2011), PaulRicoeur(2000),entre tantos outros.

A presente pesquisa investiga a fotoperformance como uma linguagem de expressão autônoma. Defende-se aqui que a fotoperformance acontece quando o ato performativo é realizado unicamente para a fotografia e através dela, ou seja, a ação se transforma em obra de arte por meio da imagem fotográfica. Desta maneira, a fotografia se desliga, a priori, de seu caráter documental e é apresentada ao público como uma obra singular. Para compreender os aspectos e principais características da fotoperformance, propomos uma reflexão sobre a fotografia e suas diversas formas de expressão, questionando alguns limites estabelecidos para os gêneros fotográficos. Além disso, traçamos um breve panorama da história da fotoperformance, apontando algumas referências marcantes na relação entre performance artística e o registro fotográfico. Com base nos conceitos de performance artística e performatividade, analisamos comparativamente uma variedade de obras de artistas que trabalham com fotoperformance, abordando seus modos de produção em paralelo ao processo criativo desta pesquisadora. Esse estudo é realizado à luz de um referencial bibliográfico sobre a performance artística, trazendo principalmente as ideias de Schechner (2006) e Cohen (2002) e sobre a performatividade através das pesquisas de Féral (2012). Para falar sobre as potencialidades estéticas e conceituais das fotografias apresentadas são utilizados autores que discutem o fazer fotográfico, como Rouillé (2009) e Soulages (2010) e Cotton (2010) principalmente. A análise foi baseada na observação das fotografias e nas aproximações possíveis entre aspectos específicos da linguagem fotográfica, da performance artística e do teatro performativo. Com isso, este trabalho desenvolve algumas características principais da fotoperformance, contribuindo para ampliar as noções de performance artística, expandindo também o campo da fotografia, ao tempo que estas linguagens se entrelaçam.

A dissertação aqui apresentada, corresponde ao levantamento de registros  históricos do Grupo Decisão com apontamentos críticos as suas atividades  teatrais, dando ênfase ao primeiro espetáculo do Grupo: Sorocaba, senhor!., na  década de 1960. Portanto, por intermédio desta pesquisa, desenvolvemos um  levantamento de dados documentais (entrevistas, críticas, fotos e programas de  espetáculos) sobre toda a trajetória artística do Grupo Decisão. Trata-se de um  levantamento documental histórico, complementando após 15 anos (2004-2019)  da até então primeira dissertação de Paula Sandroni pela UNIRIO sobre o Grupo. 

Fundado por Antonio Abujamra, Antonio Ghigonetto, Berta Zemel, Emílio Di  Biasi, Lauro César Muniz, Sérgio Mamberti e Wolney de Assis, o Grupo Decisão teve início no ano de 1963 e encerrou suas atividades em 1966. Em seu primeiro  ano o Grupo desenvolveu seus trabalhos na cidade de São Paulo e no ano  seguinte, mudam-se para o Rio de Janeiro, mas alternando suas apresentações  na capital paulistana.  

Foram montagens numerosas para o curto espaço de existência do Grupo, e  com estéticas aparentemente expressivas e ousadas para época, de um teatro épico e brechtiano. Além de numerosas, seu repertório era um tanto diversificado  e contendo em suas fichas técnicas, expressivos nomes do teatro brasileiro. O  Grupo não só dedicou suas ações nos teatros frequentados daquele período,  mas também para espaços não convencionais e para um público de estudantes,  de sindicatos e de regiões periféricas, além de debates, seminários e concursos  para população, fatos que afirmam uma tentativa de popularização e  descentralização do teatro naquele período.