Esta dissertação de mestrado apresenta a trajetória de uma professora artista e como isso colabora para a criação da personagem Abigail e seu experimento cênico, a Rádio Iraci FM. Nesses caminhos, o jogo teatral, o improviso, o clown, a linguagem radiofônica de Walter Benjamin e demais conceitos contribuem de forma fundamental na construção da dramaturgia cênica do experimento cênico apresentado dentro da sala de aula, para os meus estudantes da educação básica da rede pública de ensino. O objetivo é articular práticas artísticas e pedagógicas, explorando a interseção entre o fazer teatral e as habilidades propostas pelo eixo Teatro da BNCC (Base Nacional Comum Curricular). A pesquisa investiga como as narrativas radiofônicas, enquanto forma de comunicação e criação coletiva, podem contribuir para o desenvolvimento de competências artísticas, críticas e sociais dos estudantes, ampliando o acesso à cultura e fomentando novas possibilidades de expressão. O questionamento permeia em como a trajetória e a atuação da professora-artista de teatro podem promover a integração entre as práticas pedagógicas da linguagem teatral, desenvolvidas em sala de aula e previstas no eixo Teatro da BNCC para os anos finais do Ensino Fundamental II, e potencializar a experiência teatral? A pesquisa tem uma natureza qualitativa e adota a metodologia da pesquisa bibliográfica, acompanhada da análise e sistematização do experimento cênico. Os resultados indicam que a utilização desse experimento como ferramenta pedagógica e artística favoreceu o acesso dos estudantes à apreciação do teatro, proporcionou uma melhor compreensão da linguagem teatral, estimulou a criação colaborativa e fortaleceu habilidades como a oralidade, a escuta ativa e a expressão cênica. Por fim, a pesquisa reafirma o papel transformador do teatro no contexto escolar, evidenciando a potência das práticas artísticas na formação estética, ética e cidadã dos estudantes.

Narrativas de lavadeiras: uma inspiração para a produção dramatúrgica teatral feminina é uma pesquisa teórico-prática sobre a presença da mulher dramaturga nas Artes Cênicas, especialmente aquelas de origem negra e periférica. O estudo, se inicia em 2020 como trabalho de conclusão de curso, que teve como base a obra de Grace Passô explorando os recursos cênico-narrativos utilizados pela autora. Assim, nossa pesquisa se debruça sobre as manifestações          artísticas advindas daquelas mulheres que trabalham à beira dos rios: as lavadeiras. Neste trabalho registramos e discutimos as memórias, as narrativas e o panorama histórico dessas mulheres, a fim de quesua imagem venha a ser retratada, de forma analítica e contextualizada, e que suas vivências sejam abarcadas pelas artes, como potencialidades e possibilidades de desenvolvimento do pensamento crítico-filosófico. Com o intuito de contribuir para a discussão sobre as narrativas dramatúrgicas femininas e, a partir dos contos das lavadeiras, levar para as Artes Cênicas a identidade, os conhecimentos e os saberes populares desse grupo de mulheres.

A presente dissertação investiga a hipótese de que a educação somática social pode ser o início do fim dos privilégios sociais, capacitando os educadores a perceberem a corporeidade como uma totalidade integrada. A pesquisa propõe que, ao desenvolver uma compreensão holística da corporeidade, que supera dicotomias tradicionais entre corpo e mente, indivíduo e coletivo, e teoria e prática, os educadores podem reconhecer cada corporeidade como uma epistemologia própria. Por meio da valorização das experiências corporais dos alunos, a educação somática social promove um ambiente de aprendizado inclusivo e equitativo, onde as singularidades são respeitadas e integradas ao processo educativo. O estudo também destaca a importância da empatia, da comunicação não-verbal e da regulação emocional no contexto educacional, sugerindo que essas habilidades são fundamentais para a construção de um ambiente de aprendizado que desestabilize as dinâmicas de privilégio social. A dissertação, portanto, busca contribuir para o desenvolvimento de práticas pedagógicas que respeitem a diversidade e promovam a justiça social na educação. 

Esta dissertação explora a arte como meio de cura, integração e resistência cultural, focando no processo criativo autobiográfico onde a performance se torna terapêutica e política, especialmente contra a LGBTQIA+fobia. A partir da exposição “CU É LINDO”, esta pesquisa-criação investiga as artes cênicas e seus processos de criação enquanto práticas de cura. Em primeira pessoa, o pesquisador-performer rompe com a neutralidade tradicional, inserindo vivências e memórias corporais na investigação. A metodologia híbrida adotada, uma encruzilhada que a partir da autoetnografia une escrevivência, emoção de lidar e escrita de si, permite que experiências pessoais sejam analisadas como ferramentas de produção acadêmica, de cura e sirvam de base para reflexões mais amplas sobre o enfrentamento à LGBTFOBIA por meio das artes cênicas. 

Essa dissertação tem como objetivo aproximar a prática da palhaçaria ao universo conceitual foucaultiano e deleuziano ao discorrer sobre os conceitos de Corpo-Sem-Órgãos; Prudência e Ritual; Subjetivação; Cuidado de Si; Resistência; Táticas e Estratégias; associando-os a trechos de oficinas e espetáculos assistidos durante o seu feitio, no ano de 2022, no Festival Internacional Circovolante de Palhaços. A pesquisa realiza um breve movimento preparatório, refletindo sobre as implicações do método cartográfico, adotado como sua metodologia. Também discute trechos específicos de uma série de oficinas de Educação Teatral realizadas na Universidade do Estado de Minas Gerais, em aliança aos conceitos trabalhados previamente. Além disso, produz uma breve reflexão sobre o local do palhaço dentro da sociedade neoliberal, apontando como a prática da palhaçaria, se realizada a partir dos princípios de cautela e crítica, pode se mostrar como uma saída ética para o sujeito: em uma sociedade que só estimula o sujeito a buscar o sucesso, fracassar pode ser uma linha de fuga para aqueles que se interessam por modos de vidas agenciantes e autônomos. 

O objetivo desta dissertação é compreender o mascaramento como um fenômeno de percepção específico. Pretende-se delimitar os códigos da linguagem das máscaras expressivas, utilizando como base a tradição das máscaras da commedia dell’arte bem como a metodologia sistematizada por Jacques Lecoq. Dessa forma, objetiva-se relacionar a tradição e o referencial teórico ao trabalho da companhia Mummenschanz, bem como aos espetáculos “Singspiele” de Maguy Marin e “Encantado” da Lia Rodrigues Companhia de Danças. Busca-se, assim, identificar possibilidades de se perceber o fenômeno do mascaramento, mesmo em espetáculos onde o objeto máscara não está presente.

Este estudo investiga os autores John Dewey e Viola Spolin no ensejo de traçar uma educação teatral pelo viés da experiência. Pretendemos traçar o conceito de “experiência” a partir de um recorte da obra do autor John Dewey em busca de compreender sua visão sobre a arte e educação, interessado em afinar seus escritos aos da autora Viola Spolin e suas práticas a partir dos jogos teatrais dentro do espaço educacional. Pretende-se argumentar ao longo do texto a partir de uma pedagogia da experiência voltada para uma educação teatral com foco nos jogos teatrais, em busca de estabelecer uma educação teatral mais potente. Este estudo também pretende apresentar uma análise crítica a partir de uma oficina prática ofertada a alunos da graduação em teatro da Universidade Federal de São João del-Rei - MG, onde foram propostos jogos teatrais fundamentados por Viola Spolin (1906 - 1994) em diálogo com a teoria de John Dewey (1859 - 1952), almejando percepções valiosas com o propósito de aprimorar e apontar práticas teatrais ancoradas na profundidade da experiência.

RESUMO
Ao considerar que o estudo da pose tem o potencial de desenvolver qualidades e competências na consciência corporal do ator, além de poder gerar movimentos e fluxos internos e externos, é que esta dissertação toma forma sob um viés teórico-prático. Ao considerar a hipótese de que a pose pode ser empregada como ferramenta para expandir a presença cênica e desafiar a percepção de que posar é artificial, o presente estudo tem como objetivo principal elaborar um conjunto de dispositivos e práticas. Estes derivam de uma análise e catalogação de um léxico da pose, como o propósito de investigar a interseção entre os processos criativos na esfera cênica e fotográfica.  A finalidade é aprimorar e explorar ferramentas que possam potencializar tanto a presença cênica quanto a consciência corporal do ator em cena.
A pose, uma construção fictícia do corpo diante da câmera fotográfica, evoluiu culturalmente desde a invenção da fotografia, no século XIX. Este estudo propõe uma análise da pose não apenas como uma especificidade tecnológica, mas como uma expressão artística, política, social e ética. Para isso, a metodologia envolve revisão literária, laboratórios de criação, treinamento corporal e estudo da dança vogue. Assim, a dissertação se estrutura em três capítulos: o primeiro discute conceitos teóricos sobre a pose nas artes pictóricas e fotográficas; o segundo analisa sua presença em espetáculos cênicos contemporâneos; e o terceiro detalha os procedimentos metodológicos utilizados na pesquisa laboratorial.

As performatividades negras no Brasil são moldadas a partir das experiências vividas no
processo histórico-social que insere o negro no Brasil. Este trabalho elege a performance
ritual do congado, através da observação da Banda Dançante do Rosário de Santa Efigênia, de
Barbacena, Minas Gerais, como um arquétipo possível para investigar alguns dos aspectos da
presença do negro no Brasil e suas expressões performativas. Este trabalho é construído a
partir da relação que se estabelece com o grupo, bem como através da leitura de bibliografias
que dialogam com o tema. Assim, fez-se necessária a compreensão do contexto temporal e
espacial em que surgem as primeiras manifestações que dão origem ao que entende-se por
Congado e das influências que moldam essa performance ritual, bem como os elementos que
garantem sua continuidade até os dias atuais. A partir disso, busca-se explorar as
potencialidades poéticas emergentes dessa performance, apresentando o processo de criação
de uma vídeo-performance inspirada nessas investigações, como possibilidade poética de se
contar esta história. Dessa forma, pretende-se esclarecer as origens, as adaptações ao longo do
tempo e os elementos estéticos que compõem as performatividades negras, presentes não
apenas nos Congados, mas também em outras manifestações cujas raízes remontam à
interseção com as culturas do continente africano que desembarcam na colônia brasileira por
ocasião do processo de escravização.

A presente dissertação tem como objetivo refletir a respeito de como a palavra
da pessoa atuante em cena no teatro pode estar em comunhão com a plateia.
Sendo assim, por meio desse contato, despertar afetos, memórias e
sensações, capazes de gerar a promoção do estado de presença dentro e fora
do palco. Para tal reflexão, o primeiro capítulo se propõe a rememorar alguns
conceitos de importantes estudiosos da área teatral, que se interessavam pela
palavra em cena, a sua utilização com base na verdade, entrega e
compartilhamento, e os recursos psicofísicos, passando por Stanislavski e
Grotowski. No segundo capítulo será discutida a indução das memórias
coletivas e as contribuições de Ecléa Bosi. Também será abordada a relação
do texto e memória nas pesquisas e escritas de Leda Maria Martins e
Conceição Evaristo, explorando suas contribuições para a escrita de corpo
inteiro e os conceitos de Oralituras e Escrevivências. Por fim, será estabelecido
um diálogo com o referencial teórico e a vivência como espectador dos
espetáculos "Vaga Carne", de Grace Passô, e "Motriz", com atuação de Juliana
Mota e direção de Maria Clara Ferrer, em busca de uma reflexão prática do
texto comunhão.

O presente trabalho teve como objetivo investigar conceitos e proposições filosóficas
do misticismo oriental – em especial o zen-budismo e o taoismo – e analisar como tais
concepções foram manipuladas pelo diretor teatral Antunes Filho (1929-2019) no seu
pensamento artístico e no desenvolvimento do seu método de formação de atores.
Para isso, foi realizado um estudo histórico minucioso em que se verificou que o
Oriente, mesmo que subjetivamente, já se evidenciava na visão de mundo do diretor
desde o início de sua carreira. Ademais, a pesquisa verificou que a influência oriental
foi constatada, objetivamente e pela primeira vez, na sua montagem de As aventuras
de Peer Gynt (1971). Além dessa, na sequência, o Oriente é nitidamente referencial
na criação das peças A hora e vez de Augusto Matraga (1986) e Paraíso zona norte
(1989). Afora o recorte histórico, a pesquisa se debruçou em examinar alguns
exercícios específicos (caminhada, loucura, Maria Callas e bolha) criados pelo diretor
em que o vínculo com certas premissas do zen e do Tao foi apontado de forma direta.

Para além da bibliografia referenciada, foram realizadas entrevistas com os ex-
integrantes do Centro de Pesquisa Teatral (CPT) de Antunes Filho. Ao final, conclui-
se que a filosofia oriental foi essencial para a consolidação da metodologia
interpretativa criada por Antunes Filho, assim como para a sua estética e poética
teatral.

A produção dos movimentos de cultura popular é entremeada pelas referências culturais e performáticas dos povos indígenas, povos negros e europeus. Contudo, devido ao projeto da colonialidade, que se encontra em execução até os dias de hoje, os dois primeiros foram historicamente desqualificados e transformados em simples produções de “folclore”. Considerando os movimentos atuais de disputa dos discursos marcadamente violentos e coloniais, o presente trabalho recorta das produções de origem indígena a Dança do Caboclo, tradição e modo de vida ligado ao povo Puri, para discutir a produção da história “hegemônica” sobre os referidos povos. Essa manifestação é destacada para disputar as definições possíveis para as produções culturais indígenas, aproximando e friccionando certas manifestações culturais do termo “teatro”, para evidenciar que ao contrário que se é induzido a pensar, a teatralidade é característica fundamental de toda a vida e não apenas de determinado povo.  

A proposta desta pesquisa é analisar os atos performáticos inscritos no corpo do sujeito durante o ritual de iniciação, sendo este um meio de manutenção e transmissão da memória do Candomblé de Angola praticado no Abassá de Jagulenã. Nossa análise tem como premissa os elementos e as perspectivas que compõem a cosmovisão desta manifestação religiosa de origem centro-africana no Brasil, como conjunto de saberes e signos que conferem um caráter de espetacularidade. A análise dos atos performáticos presentes no ritual de iniciação foi pautada na pesquisa teórica em literatura especializada a respeito do ritual e suas fases, da performance, assim como na observação e vivência do ritual de iniciação praticado pelo Abassá de Jagulenã. A experiência da pesquisadora dentro das religiosidades de matrizes africanas enquanto membro da comunidade do Abassá de Jagulenã, tornou viável a pesquisa de campo, lócus da provocação de seus questionamentos quanto às alterações corporais sofridas durante o processo de iniciação. Buscando um diálogo entre o espaço do terreiro - observação e vivência da performance - e o campo acadêmico encontramos, na visão de mundo do Candomblé de Angola e na lente metodológica dos Estudos da Performance, fontes de conhecimento que compartilham os saberes das Artes Cênicas assim como em outras áreas de conhecimento. Essas lentes nos permitiram observar o trajeto entre as práticas codificadas dentro do terreiro de Candomblé de Angola e como estas se ressignificam no corpo do sujeito do ritual. Permitiram, ainda, perceber que o processo de transmissão dos saberes das religiões afro-brasileiras, pautados na oralidade e na reprodução de gestos, transforma o corpo do iniciado em um transmissor de conhecimento durante as performances rituais e artísticas. As fases do ritual de iniciação, um tipo de rito de passagem, são analisadas tendo como referência os treinamentos que ocorrem durante o período de reclusão, sua sequência e metodologia para que a transmissão da memória da cultura do Candomblé de Angola tenha no corpo do iniciado, o sujeito do ritual, seu lugar de memória.

Essa dissertação de mestrado destina-se ao desenvolvimento de um processo de investigação de um campo epistêmico da Educação Teatral (MAGELA, 2017, 2018, 2019, 2021) com o objetivo de  transformar a atuação enquanto educador em uma atuação decolonial, capaz de desestabilizar as estruturas coloniais de hegemonias eurocêntricas presentes em nossas escolas e em nossos currículos. Tendo a escola como lócus, a pesquisa se desenvolveu a partir da relação educador-educando, mediada pela prática artística, tendo como base as noções decoloniais em diálogo com o princípio do “cuidado de si” (FOUCAULT, 1994, 2004, 2006). Por acreditar no processo de pesquisa como prática contínua de investigação e intuição, a Abordagem Somático-Performativa (ASP) (FERNANDES, 2014, 2018, 2022) surge como desafio ao pensar em um caminho metodológico para a construção dos processos criativos decoloniais, trazendo como princípio a prática artística como eixo organizador. Apropriamos e incorporamos ao processo artístico realizado, alguns elementos da Abordagem Somático-Performativa na perspectiva da Pesquisa Somático-Performativa (PSP), pois acreditamos que a investigação ao partir do corpo vivido (soma) como meio de criação, produção e reflexão é capaz de construir um elo entre teoria e prática, tornando assim, a prática artística e o corpo em toda a sua potencialidade, elementos-eixos de toda a pesquisa.

No primeiro capítulo discutimos sobre as normas e convenções que norteiam o entendimento da sexualidade e do gênero a partir de conceitos dos seus estudos. Pesquisadoras/es como Judith Butler, Simone de Beauvoir, Michel Foucault, João Silvério Trevisan, e outros foram parte dos referenciais bibliográficos. No segundo capítulo discutimos sobre a obra, premiada diversas vezes, de Manuel Puig, analisando as expressões das personagens no decorrer da trama, com foco especial para suas condutas sobre gênero e sexualidade. Nesse momento, analisamos as repercussões das representações dessas personagens em cena, contando com o apoio da hemeroteca digital brasileira como fonte primária da pesquisa.

Esta pesquisa compreende estudos sobre o potencial dramatúrgico e performativo da voz no
ato de cantar, considerando a relação dos cantores com seus modos expressivos. A partir de
estudos teórico-práticos sobre os conceitos de Ação Vocal e de Contato, investigou-se
sobre dispositivos que podem permitir que estes artistas conquistem - por eles mesmos -
qualidade expressiva orgânica, singular e relacional. Devido ao contexto de isolamento
sanitário, instaurado pela pandemia da Covid-19, a autoetnografia revelou-se um percurso
possível - um plano B - para a continuidade deste trabalho. Um “diário de bordo” com
episódios da trajetória profissional e estudantil da autora e a análise de um debate online com
professores de voz/canto da Universidade Federal de São João del Rei compõem parte da
metodologia desta pesquisa. Ela investiga de que modo - e se - a Ação Vocal e o Contato
alargam a percepção do cantante, transmutam a matéria-prima pessoal em criação artística e
potencializam a relação com o outro para comungar a experiência cantada. Esta pesquisa
propõe pensarmos um modo de trabalho interdisciplinar para cantores em formação
que, espera-se, poderá contribuir para a reflexão sobre a sistematização do ensino do
canto popular no Brasil.

A presente dissertação trata-se de um estudo sobre a compreensão da função e do ofício do trabalhador cenotécnico da cidade de São Paulo. A investigação e análise do ofício do cenotécnico se dá partindo de uma compreensão histórica baseando-se, inicialmente, nas regulamentações legais nas esferas federal, estadual e municipal. O primeiro documento a ser considerado, o decreto nº 5.942 do ano de 1928, é resultado do projeto de lei apresentado pelo deputado federal Nicanor Nascimento em 1925. O texto em questão imputa às empresas a obrigatoriedade de seguir o código comercial trabalhista na contratação de artistas e auxiliares teatrais. A análise dessa e de demais leis pertinentes se faz necessária, pois é por meio das nomenclaturas usadas para definir os ofícios técnicos que a carreira se estabelece no âmbito jurídico e, de modo amplo, no histórico-social. A categoria do cenotécnico foi regulamentada e é compreendida hoje por meio da lei nº 6.533 de 1978, sendo descrita no quadro anexo do decreto nº 82.835 do mesmo ano. Além das bases legais, a pesquisa analisa materiais bibliográficos que apresentam definições do papel ou do ofício do cenotécnico e que acompanham o período das implementações das leis. O trabalho também apresenta como documento, entrevistas realizadas com cenotécnicos, em busca de uma compreensão atual do seu ofício, possibilitando uma reflexão dialética entre a prática testemunhada pelo trabalhador e as definições teóricas analisadas. Para atingir esse objetivo, convidamos a participarem desta pesquisa profissionais que atuam na área, cujo início de suas carreiras se deu na década de 1970 - momento este marcado pela regulamentação da categoria, com o advento da lei nº 6.533 de 1978. Considerando a importância da autodefinição desses profissionais sobre o trabalho desempenhado, para a compreensão do que é a função e o ofício da cenotécnica, a realização dessas entrevistas, diante do recorte, estabelece um diálogo através do compartilhamento da experiência individual de cada profissional entrevistado e da memória do ofício da cenotécnica.

Esta dissertação busca analisar o trabalho da Mariana Gabriel, como Palhaça Birota. Ela atua como produtora cinematográfica e palhaça, e se apresenta durante as exibições do documentário: Minha avó era Palhaço. O documentário conta a história de sua avó Maria Eliza Alves, que atuou como palhaço Xamego no Circo-teatro Guarany, no início da década de 20. A partir desse primeiro sentido, discorremos sobre sua família tradicional circense, de sua ancestralidade, imbuída na cultura brasileira. Busco traçar análises e conexões sobre seu trabalho e o campo da historiografia de palhaços e palhaças. Considerando o pensamento paradoxal da impossibilidade da descrição fidedigna do trabalho de Mariana, de suas atuações, mas sendo possível pensá-las a partir do reconhecimento da inacessibilidade dessa totalidade, observando-os como algo não estático e fixo da história. Desdobrando no sentido empírico, assim, o arquivo aqui não está sendo considerado como conjunto de documentos reunidos, não como mera coincidência, em sua materialidade.  As pesquisas estão atravessadas por questões filosóficas, entre biopoder e biopolítica, passando pelas noções de poder, dos sistemas hegemônicos, que afetam os campos da escrita da história das mulheres, das lutas feministas e sobre o debate de mulheres palhaças.

A dissertação ressalta a importância da pesquisa dedicada ao Corpo Coletivo, um grupo brasileiro, mineiro, de teatro. Recomenda um recorte mais preciso do objeto de pesquisa, chamando atenção para a análise implicada do ator no/do objeto, sendo Vinicius, um performer do grupo. Neste caminho, acredita ser imprescindível que a análise esteja fundamentada pela prática do grupo, especificamente no modos como isso de fato o atravessa como intérprete.

A presente dissertação tem por objetivo investigar os aspectos sensoriais das cores e suas potencialidades para o campo da iluminação cênica, pensando a sensorialidade como fenômeno que acontece e se define na expansão do conceito de visualidade. Para tal investigação, a pesquisa foi separada em duas etapas que se complementam. Na primeira etapa foi realizada uma revisão bibliográfica e aprofundamento teórico acerca dos estudos sobre as cores partindo da obra de Johan Wolfgang von Goethe que resultaram nas publicações dos textos Contribuições para à óptica, O experimento como mediador entre objeto e sujeito e Doutrina das cores. O objetivo desta etapa é compreender quais foram os métodos utilizados por Goethe, os resultados obtidos de suas pesquisas e as contribuições destes estudos para diferentes abordagens sobre a teoria das cores utilizadas em pesquisas de diferentes áreas do conhecimento. Desse modo, buscou-se fazer uma análise sobre como as pesquisas de Goethe se desdobram na elaboração de teorias das cores que foram, posteriormente, estruturadas por artistas atuantes dos movimentos de ruptura do final do século XIX e as vanguardas modernas do início do século XX. Como principais autores para esta análise, foram selecionados os artistas Wassily Kandinsky e Kazimir Maliévitch, devido suas contribuições para a sistematização do abstracionismo e suprematismo, movimentos que os impulsionaram a articular seus próprios estudos sobre as cores. Com base nesta análise e no cruzamento de características comuns e divergentes entre as teorias, este texto propõe uma reflexão sobre a manipulação dos conceitos de sensorialidade, percepção e sensação, associados às formas de se pensar e produzir o que nomeamos de visualidade cênica, compreendendo quais ferramentas técnicas, recursos científicos e conceitos específicos do campo da iluminação cênica podem ser utilizados nos processos de criação artística e, mais especificamente, como contribuem para o pensamento e a prática de artistas que atuam nesta área. A segunda etapa da pesquisa foi executada tendo como princípio o referencial teórico-conceitual estudado na primeira etapa. Foram realizadas entrevistas com oito iluminadoras brasileiras, que possuem formações e carreiras diversas, a fim de examinar como e de que maneira o pensamento sobre o uso das cores de forma sensorial atravessa os trabalhos e os processos criativos destas artistas. A definição de um roteiro de entrevista dialógico se fez necessário para que houvesse a condução da narrativa apresentada sobre o tema abordado. As entrevistas, assim como os demais materiais técnicos e registros, foram analisados buscando-se pensar de que modos a sensorialidade das cores se faz presente nos trabalhos das iluminadoras.

Esta pesquisa desenvolve uma análise bibliográfica de pesquisas anteriores consideradas relevantes, que utilizavam ou utilizam jogos teatrais improvisacionais dirigidos a pessoas com Síndrome de Down. Para tal, as referências foram mais delimitadas àquelas que se baseiam em princípios que priorizam as obras de Viola Spolin (2010) e Augusto Boal (1977), fontes primárias dos conceitos e perspectivas utilizados. Esses autores auxiliarão na delimitação do objeto investigado, bem como na compreensão do contexto histórico, social, cultural e político da pedagogia teatral, universo no qual as pessoas com deficiência serão aqui consideradas. Neste direcionamento, busco com esta análise efetivar e dar enfoque às oficinas teatrais pedagógicas dirigidas para pessoas com Síndrome de Down, não somente no âmbito terapêutico inclusivo num sentido mais corporal ou individual, mas também no âmbito social, em seus componentes de socialização. Há também uma justaposição, nas análises, de propostas de situações teatrais que proporcionem aos participantes o contato com a cena teatral, através do lúdico, do poético e do estético, bem como a abertura para um repertório de trabalho que possa ser realizado de maneira simples e breve, tanto para quem estuda e conduz essas aulas como para quem participa delas, sem que haja a obrigação de aprofundar-se em técnicas teatrais que não tenham pertinência e/ou exequibilidade em tais situações. Outro aspecto do presente estudo são as considerações sobre o capacitismo e sua conceituação, que ainda inicia sua presença em debates, rodas discursivas e mídias sociais. É neste registro do teatro como ato social, perceptivo e consciente que investigo em pesquisas já existentes as possibilidades do contato da linguagem teatral como experimento atraente para a pessoa com Síndrome de Down, explicitando quais seriam as “limitações”, onde e em que elas estão; e também esclarecendo como elas não colocam impedimentos para essas ações teatrais. Através dos mais diferentes princípios das propostas teatrais defendidas, procuro aqui oportunizar e alcançar a fruição e as criações artísticas estabelecidas e analisadas.

O objetivo desse trabalho de dissertação é analisar o texto dramatúrgico “A mãe” de Bertolt Brecht, tendo como referência a concepção de mudança de função desenvolvida pelo próprio autor. Nesse sentido, a pesquisa se desenvolve em torno dos textos teóricos de Brecht, e de intelectuais comprometidos com a análise e a interpretação da obra Brechtiana para compreendermos não só a concepção de mudança de função e sua relação com a obra investiga, mas também compreender as influências e os pressupostos que permitiram a construção e o desenvolvimento da peça em questão e do teatro Brechtiano como um todo. Dessa forma, intentamos compreender a investigação da categoria mudança de função, levando em consideração os aspectos históricos que permitiram o surgimento e o desenvolvimento de tal ideia, para a partir desse entendimento construirmos uma análise da obra “A mãe” que se disponha a compreender a sua localização na trajetória artística de Brecht e suas potencialidades para a luta revolucionária no campo da cultura ainda hoje.

Esta dissertação propõe a investigação das propostas pedagógicas relacionadas às Artes Cênicas no Brasil, a partir das produções bibliográficas de Ingrid Koudela e Flávio Desgranges, buscando demonstrar suas relações com uma formação, que visa o desenvolvimento social e cognitivo. Para isso, fez-se uma revisão bibliográfica das propostas dos autores supracitados, buscando identificar essas relações através da análise de conteúdo por categorização. Pautadas principalmente no fazer teatral de Bertolt Brecht, apontamos nossos pressupostos relacionados ao potencial educativo do dramaturgo alemão mencionado, bem como suas influências nas propostas pedagógicas de Ingrid Koudela e Flávio Desgranges. 

O presente trabalho tem por objetivo analisar as possibilidades de criação de narrativas a partir dos elementos que formam a cosmovisão das religiosidades de origem centro-africana no Brasil em dois experimentos cênicos desenvolvidos no espaço acadêmico de pesquisa. O trabalho parte da análise e investigação acerca dos elementos que formam a cosmovisão dessas religiosidades estabelecendo um diálogo entre minhas vivências nos espaços dos terreiros e a construção da cena no Teatro. Nesse percurso, o trabalho perpassa pelos aspectos históricos da formação dessas religiosidades no Brasil, criando um quadro comparativo entre as perspectivas que formaram a cosmovisão dos povos centro-africanos do outro lado do atlântico e as práticas religiosas em território brasileiro, buscando compreender como foram articulados as ressignificações e os modos de criação de narrativas presentes nos cânticos, nos processos rituais, performáticos e estéticos dessas religiosidades. Do resultado dessa investigação primeira, emerge como elemento fundamental da construção dessas cosmovisões, a perspectivas da encruzilhada, abarcando as concepções de ancestralidade e do encantamento. É a partir da compreensão dos modos pelos quais essas concepções são articuladas na construção de narrativas nos espaços do terreiro, que se estabelece a proposta de potencialização de narrativas na construção dos experimentos cênicos Kandenge – O cantador de uma história brasileirae Confere, ambos realizados no âmbito da pesquisa e experimentação laboratorial acadêmica.

Vestido de Noiva de Nelson Rodrigues foi apresentada pela primeira vez pelo grupo de teatro amador Os Comediantes na cidade do Rio de Janeiro no Teatro Municipal, com Direção e iluminação de Zbigniew Ziembinski em 1943. Depois do sucesso pela crítica especializada e pelo público, o espetáculo passou a ser um objeto de estudos corriqueiros dentro do campo acadêmico.

O objetivo dessa pesquisa é analisar o que foi apresentado enquanto iluminação da montagem de Vestido de Noiva em 1944 em São Paulo, para entender o que foi a luz do espetáculo, a partir das críticas, depoimentos e do pensamento sobre a cena e luz de Ziembinski.

Durante dez anos, de 2006 a 2016, o Teatro da Caravana Siga Bem apresentou nos postos de combustível das estradas brasileiras, para um público de caminhoneiros, seus familiares e pessoas que viviam próximas a esses locais, espetáculos com temáticas ligadas à cidadania como uso racional da água, enfrentamento à violência contra a mulher, exploração sexual de crianças e adolescentes e direitos humanos, entre outros. As peças identificadas com a estética do teatro popular contavam com um elenco formado também por caminhoneiros e caminhoneiras, além de produtores e produtoras do evento comercial Caravana Siga Bem, no qual o teatro estava inserido como atração cultural e de lazer. Considerando o caráter pedagógico desses espetáculos, que buscavam debater questões cidadãs, esta dissertação buscou afinidades entre este projeto de teatro popular feito para e com caminhoneiros e as ideias para uma educação dialógica e capaz de desenvolver a criticidade do sujeito, defendidas pelo educador Paulo Freire. Nas reflexões que moveram as buscas dessa afinidade com a pedagogia do patrono da educação brasileira, esta pesquisa encontrou ainda afinidades com o Teatro Épico de Bertolt Brecht e, em certa medida, com os experimentos das peças didáticas do dramaturgo alemão

Com base na análise do livro Rua de Mão Única (1995) e de sua influência no processo de transposição da literatura benjaminiana para a experimentação teatral que versa sobre as memórias, é possível indicar caminhos em que as reminiscências se sobressaem durante esse percurso. Dessa maneira, salientamos as poéticas do livro Rua de Mão Única (1995), do autor berlinense Walter Benjamin, e suas influências para o fazer teatral, que neste caso específico, culminou em Haveres da infância; Um poeta colecionador. Após a realização de práticas teatrais para a construção do processo cênico, os caminhos pertinentes à transposição da literatura benjaminiana para o palco revelaram a figura do Poeta, uma figura que comporta em si, reflexões acerca da dramaturgia que parte de narrativas autobiográficas. Há uma discussão constituinte da figura do Poeta entre elementos da contação de histórias que nos remetem à figura do Narrador (1994, p. 197-221), descrita belamente pelo filósofo Walter Benjamin e, por conseguinte, à figura do historiador e da história, como nos coloca Paul Ricouer em A memória, a história, o esquecimento (2007). Há também o desnudamento da influência de Asja Lacis na escrita e no pensamento de Walter Benjamin sobre o teatro infantil. As interfaces que movem/ou moveram o Poeta em costuras dramatúrgicas que se interpenetram nos elementos da narratividade e principalmente na transposição da literatura benjaminiana para o teatro configuraram-se na hermenêutica da condição histórica. É nesse ponto que o presente trabalho procura na representação do passado realizar constante diálogo com a imposição que o esquecimento nos proporciona. Cabe ressaltar que ele, o próprio esquecimento, coloca-se como guardião fiel da memória. Dessa maneira, a relação entre os sobressaltos que as reminiscências revelam através das imagens indicam-nos as características estético-filosóficas em que a figura do Poeta dispõe-se a debruçar, quando em cena, brinca com as memórias de Walter Benjamin e coleta a extensão do campo de lembranças que constituem o corpo da atriz quando esta se depara com seu próprio universo infantil.

Esta dissertação discorre sobre o corpo em diversas relações existentes nas artes cênicas, apontando
ferramentas e possibilidades para se preparar para a cena, e indicações de como construir um corpo
cênico, partindo do pensamento de Lenora Lobo, de maneira a lidar com questões intermitentes que
ocorrem durante o processo de montagem e construção cênica, advindas da situação do corpo
atuante. Dentre alguns exemplos, é analisado o trabalho das atrizes da Companhia Teatrando, no
espetáculo 'O Casulo das Memórias Resignadas', do dramaturgo juiz-forano Rafael Coutinho. O foco
das observações discorridas são as estratégias utilizadas por alguns interpretes/atuantes para estarem
em cena, criando meios de se confrontarem com os critérios hegemônicos, já existentes, de avaliação
do trabalho artístico, e do desempenho na atuação. Destacando, processos pertinentes na vida destes
interpretes/atuantes que de certa forma vivenciaram bloqueios e limitações em suas trajetórias
artísticas.
Estes processos permitem a criação de certos agenciamentos em relação a seus propósitos
existenciais, e/ou provocam estratégias de treinamento e autoformação singulares para construir a
cena de maneiras pertinentes e potentes destes atuantes. A pesquisa relaciona-se não somente a
questões que permeiam vivencias pessoais, afetivas e profissionais, mas também recorre a estudos
sobre os fatores do que pode ser o corpo, como pode ser o corpo cênico, tecendo reflexões sobre
maneiras pertinentes na atualidade de se pensar as relações entre corpo, teatro, limitações corporais,
abordando o corpo como sujeito, objeto e suporte da arte, não considerando somente a estética
corporal como resultado, mas o corpo como potência. Para tal, as relações para este trabalho têm
como fonte o conceito de potência do filósofo Gilles Deleuze, perpassando por treinamentos de
teatrólogos do século XX.

Delineada pelas reflexões do filósofo Gaston Bachelard, esta pesquisa analisa poeticamente a obra dramatúrgica da diretora alemã de dança-teatro Pina Bausch, utilizando os conceitos de imaginário elementar terra e imaginário elementar água como fio condutor. Com o intuito de identificar as características do imaginário elementar de Bachelard nas obras de Pina Bausch, a análise se pautou pelas características dramatúrgicas da composição coreográfica e cenográficas de seus espetáculos, o que possibilitou refletir, tanto sob o ponto de vista do bailarino/ator quanto do espectador, a respeito da criação de cenas imersivas e sensórias por meio dos elementares terra e água dentro de algumas obras de Bausch.

A dissertaçãotem como objetivo abordaro espetáculo teatral Um Dia Ouvi a Lua, escrito por Luís Alberto de Abreu para Companhia Teatro da Cidade (São José dos Campos –SP)e dirigido por Eduardo Moreira. Esse espetáculo tratasobre o universo caipira do Vale do Paraíba. Ademais,traz várias representações da noção pessoal de cada ator sobre o que é opopular do Vale. Ofoco dadissertação foipoder compreender quais são essas representações e de qual forma elas foramcolocadas em cena. Noespetáculo Um Dia Ouvi a Lua,os artistas utilizam músicas, lendas e sua própria cultura para a representação do “ser popular” para a criação das personagens. É dessa memória do popular em maneiras de rememoração que o espetáculo teatral se utilizou, pois passa por vários momentos entrea cultura regional e a reapropriada pelos artistas,de maneira que foramrecriadasem cena. A cena aborda acultura regionalde maneira quepossa ser apresentada em vários lugares,e possa ser reinterpretada pelos seus espectadores de maneira pessoal paracada um deles. O objetivo desta pesquisa foi ode identificar o que o espetáculo teatral Um Dia Ouvi a Lua, da Companhia Teatro da Cidade, tem da cultura popular e da memória da cidade de São José dos Campos e o Vale do Paraíba Paulista em sua representação. Sendo assim,o foco específico desta dissertação foianalisar o produto final o espetáculo. Para isso, foramconsiderados o texto escrito por Luís Alberto de Abreu, a encenação criada por Eduardo Moreira e os relatos dos atores da CIA Teatro da Cidade sobre o processo de montagem e a vivência do espetáculo, bem como acervo memorial e pessoal enquanto espectadora do espetáculo,e entrevistassobre o espetáculo. Comobase teórica principal,apoiar-nos-emos nosautores Nestor Garcia Canclini(2008), Maria de Lourdes Rabetti (BetiRabetti)(2000), José Jorge de Carvalho(2000),Jaqueline Baumgratz(2011), PaulRicoeur(2000),entre tantos outros.

A presente pesquisa investiga a fotoperformance como uma linguagem de expressão autônoma. Defende-se aqui que a fotoperformance acontece quando o ato performativo é realizado unicamente para a fotografia e através dela, ou seja, a ação se transforma em obra de arte por meio da imagem fotográfica. Desta maneira, a fotografia se desliga, a priori, de seu caráter documental e é apresentada ao público como uma obra singular. Para compreender os aspectos e principais características da fotoperformance, propomos uma reflexão sobre a fotografia e suas diversas formas de expressão, questionando alguns limites estabelecidos para os gêneros fotográficos. Além disso, traçamos um breve panorama da história da fotoperformance, apontando algumas referências marcantes na relação entre performance artística e o registro fotográfico. Com base nos conceitos de performance artística e performatividade, analisamos comparativamente uma variedade de obras de artistas que trabalham com fotoperformance, abordando seus modos de produção em paralelo ao processo criativo desta pesquisadora. Esse estudo é realizado à luz de um referencial bibliográfico sobre a performance artística, trazendo principalmente as ideias de Schechner (2006) e Cohen (2002) e sobre a performatividade através das pesquisas de Féral (2012). Para falar sobre as potencialidades estéticas e conceituais das fotografias apresentadas são utilizados autores que discutem o fazer fotográfico, como Rouillé (2009) e Soulages (2010) e Cotton (2010) principalmente. A análise foi baseada na observação das fotografias e nas aproximações possíveis entre aspectos específicos da linguagem fotográfica, da performance artística e do teatro performativo. Com isso, este trabalho desenvolve algumas características principais da fotoperformance, contribuindo para ampliar as noções de performance artística, expandindo também o campo da fotografia, ao tempo que estas linguagens se entrelaçam.

A dissertação aqui apresentada, corresponde ao levantamento de registros  históricos do Grupo Decisão com apontamentos críticos as suas atividades  teatrais, dando ênfase ao primeiro espetáculo do Grupo: Sorocaba, senhor!., na  década de 1960. Portanto, por intermédio desta pesquisa, desenvolvemos um  levantamento de dados documentais (entrevistas, críticas, fotos e programas de  espetáculos) sobre toda a trajetória artística do Grupo Decisão. Trata-se de um  levantamento documental histórico, complementando após 15 anos (2004-2019)  da até então primeira dissertação de Paula Sandroni pela UNIRIO sobre o Grupo. 

Fundado por Antonio Abujamra, Antonio Ghigonetto, Berta Zemel, Emílio Di  Biasi, Lauro César Muniz, Sérgio Mamberti e Wolney de Assis, o Grupo Decisão teve início no ano de 1963 e encerrou suas atividades em 1966. Em seu primeiro  ano o Grupo desenvolveu seus trabalhos na cidade de São Paulo e no ano  seguinte, mudam-se para o Rio de Janeiro, mas alternando suas apresentações  na capital paulistana.  

Foram montagens numerosas para o curto espaço de existência do Grupo, e  com estéticas aparentemente expressivas e ousadas para época, de um teatro épico e brechtiano. Além de numerosas, seu repertório era um tanto diversificado  e contendo em suas fichas técnicas, expressivos nomes do teatro brasileiro. O  Grupo não só dedicou suas ações nos teatros frequentados daquele período,  mas também para espaços não convencionais e para um público de estudantes,  de sindicatos e de regiões periféricas, além de debates, seminários e concursos  para população, fatos que afirmam uma tentativa de popularização e  descentralização do teatro naquele período.